莫兰迪、雷杜德、草间弥生，这些大师的一生竟然如此单调？

喜欢看展的朋友们一定知道，在尤伦斯当代艺术中心有一场艺术的盛宴，那就是“一位天才的诞生——毕加索展”。

在这场号称是“中国迄今为止最大规模的毕加索真迹展”的艺术Party上，我们可以看到毕加索这样立体的作品。

“毕加索展”展出品之一

也可以看到有着明显毕加索风格的作品。

毕加索1969年画作《吻》

还可以看到毕加索较为“规矩”的作品。

毕加索1920年画作《习作》

从以上几个作品，我们也不难看出，毕加索这一生的艺术风格是在不断变化的。

不信我们可以用他的两张自画像来对比看看，他的风格，到底发生了多大的变化。

毕加索第一张自画像（15岁）和最后一张自画像（91岁）

毕加索从不循规蹈矩，作品的表达也完全是按照当时对艺术的理解来创作。

相比于一成不变，他更喜欢创造、更喜欢猎奇、更喜欢不一样的精彩。

但是，在艺术界中，还有这样一类艺术家。他们一生只执着于一种艺术。在他们的坚持下，他们的艺术和人生，同样精彩。

坚持需要纯粹

“我最不能容忍的莫过于艺术本着其他的目的，而不是为艺术本身。”——莫兰迪

因为《延禧攻略》的大火，人人都知道了莫兰迪色系，个个都夸赞莫兰迪色看起来舒服且高级。

但是为什么莫兰迪色会有这样舒服的视觉效果呢，大部分原因还要归功于莫兰迪对艺术的坚持所保有的纯粹之心。

纯粹的目的和追求，往往是坚持的最基础也最不可或缺的必要条件。

1890年的夏天，莫兰迪出生在意大利。

莫兰迪照片

1907年他进入波洛尼亚美术学院学画，毕业后就在这所学院教授版画课程。

莫兰迪非常热衷于画静物，他最喜欢画的，是那些瓶瓶罐罐。

莫兰迪画的瓶瓶罐罐们

他把这些瓶瓶罐罐摆满了他的画室，地上、书架上、桌子上，到处都是。

你看，他的画将颜色本就淡雅的物体边缘虚化，又将光线明暗关系平面化，整个画面细腻得仿佛就连瓶子周围空气的湿度都可以看得到。

莫兰迪画作

低调、细致、朴实却又直击内心，将物体的形态和颜色巧妙融合，这便是莫兰迪风格。

但这样的风格也为他带来了一些困扰。在被法西斯统治的时代，艺术的主流是社会题材与壮丽风格。所以，莫兰迪自然就成为了被嘲笑的对象。

不过莫兰迪并不在意，他依然坚持自己的风格，不畏人言，不惧权势。

莫兰迪自画像，穿衣风格也很莫兰迪

对于莫兰迪只画物这件事，不止是源于对讽刺的无视，也源于对物本身的重视。

他说：“我相信，没有任何东西比我们所看到的世界更抽象，更不真实。我们在物质世界所认知的所有事物，都并非如我们看到和了解的那般。物的质性当然存在，但却不具有任何我们附加在它身上的意义。”

莫兰迪画作

物，简单直接，瓶就是瓶，罐就是罐。

我们所有对物的认知都是依存于主观意识之上的，莫兰迪正是在通过这些瓶瓶罐罐挑战我们对世界的认知，颠覆我们所看到的世界。

他想告诉我们的是，不要去在意一些虚无的东西，而是应该回归到更纯粹的本质世界。这样的坚持，才更美，才更真。

坚持需要对细节负责

一辈子就做了一件浪漫的事：画花。——雷杜德

雷杜德，比利时花卉画家。他一生创造了2100多幅花卉板绘，包含了1800多种植物。论画花，没人画得过他。

雷杜德作品合集

他为近50部植物学著作制作了插图绘本，出版了《百合图谱》、《玫瑰图谱》等刊物。其中，以《玫瑰图谱》最为著名。

能拥有这样的艺术成就，绝对离不开他坚持对细节负责的原则。细节，在坚持的过程中，是最重要的辅助条件。

雷杜德与植物绘画的缘分还要从他23岁说起。23岁那年他来到巴黎，师从花卉画家画家杰勒德·范·斯潘东克和植物学家查尔斯-路易斯·埃希蒂尔·德布鲁戴尔。

雷杜德画像

30岁那年，他被聘请去给法兰西第一帝国皇后约瑟芬的玫瑰园画画。据说约瑟芬皇后的玫瑰园里有250种玫瑰，足足有三万株。

对植物知识的学习、对雕刻版点彩画法的研究，都为他的绘画风格奠定了基础。

雷杜德作品合集

这是雷杜德画过的玫瑰。花朵色泽淡雅自然，走笔顺滑流畅。

但雷杜德的玫瑰最让人惊叹的，在于细节。可以仔细看看，每棵玫瑰就连刺的样子和数量都是不一样的。

叶子的茂盛程度、花朵的盛开方向、枝蔓的弯曲形态……就算是相同品种的玫瑰，也因为不是同一株而存在着许多细微的差别。

对植物形态的严谨研究、日复一日的观察与绘画积累、独特的绘画技巧，以对细节的极致追求，都使得他的作品更加细致、出色。

雷杜德作品合集

可以说，他的玫瑰画，走在了花卉绘画界的前端，引领了全世界玫瑰画的潮流。

不管是在植物界，还是在艺术界，雷杜德一生中对细节的执着都让我们看到了更精彩、更完整的世界。

画花，是他一生做过的最浪漫的事，但对绘画细节的执着，是他一生都在坚持的事。

坚持需要忠于自己

“艺术必须是自我的，讨好众人的只是骗钱而已，真正诚恳的，却时常被误解。”——草间弥生

不管你对艺术的了解有多少，你一定听过“草间弥生”，她对艺术的坚持完全来源于自我。

确实，追求自我、坚持自我，才是人类永恒的主题。

其实对于草间弥生的艺术，有很多人都提出过质疑，认为她的作品在哗众取宠。为什么会产生这种质疑的，因为她的作品，是这样的……

温馨提示：以下内容可能会引起不适。

Give Me Love展览的作品之一

LV概念店设计by 草间弥生

那么为什么草间弥生却依然我行我素，一直重复这种让人感到不适的密集波点呢？

这一切都和她小时候的经历有关。

在草间弥生很小的时候，她就时常会产生灵魂离开躯体的幻觉，看到的世界也好像隔着布满了斑点的网。

草间弥生照片

但她的母亲对于她的疾病却毫不关心，认为所谓的幻觉都是她在胡说八道。

心灵的创伤让她决定利用重复的圆点表达自己的幻觉，靠画画赶走内心的恐惧。

草间弥生10岁时的画作

这是她10岁那年画的一幅铅笔画，阴郁笼罩着画中的女孩，这也是她的童年写照。

草间弥生童年照

但母亲依然没有意识到她的无助，还对女儿的画家梦想却百般阻挠。最终，气愤的草间弥生离开家乡，投奔了美国女画家乔治亚·欧姬芙。

到了美国，草间弥生将这种极限圆点重复运用到了雕塑和装置艺术中。没想到，这居然引起了美国波普艺术的潮流。

草间弥生第一次以镜子为媒介的装置作品《无限镜屋》

而在她所有的圆点作品中，最常出现的就是南瓜，这样的执念竟然也来自于她的童年生活。

在草间弥生小时候，爷爷的农场里种着很多很多南瓜。当时草间弥生想扭下一颗南瓜，在产生这种想法的同时，她听见南瓜用生命向她述说着什么。

南瓜让她快乐，给她安慰。对于草间弥生来说，南瓜就是信仰，就是神。

草间弥生南瓜作品合集

她曾说，“我会忘记所有，只为集中精神，直面南瓜的灵魂。”在南瓜的背后，草间弥生看到的是生命、是安全、是依靠、是自己。

波点与南瓜，都是她对艺术的坚持，也是她对自我的坚持。

最后，我们用草间弥生自己说过的话为她的故事做一个结尾：“如果你一定要问我从什么时候开始艺术创作的，我可以告诉你，那是在很小很小的时候。我的一生，我活着的每一个日子，都与艺术相关。要是人可以有来世，我还想再做艺术家。无论生与死，艺术对于我来说就是一切。”

艺术对她来说是一切，而她的一切恰好就是自己那个美好的小小世界。

草间弥生的故事告诉我们，忠于自我，才是我们要的坚持。

坚持的意义就在这里

莫兰迪为瓶瓶罐罐付出一生，为纯粹而坚持；雷杜德将画花看作一世，为细节而坚持；草间弥生把波点和南瓜奉为使命，为自我而坚持。

每一个瓶罐都有着自己的特点，原始而纯净；每一朵花都绽放着不一样的美丽，细微差别，各自美丽；每一颗波点都保留着它们的态度，那是自我的声音。

艺术家们所坚持的，是艺术的突破与精神的寄托。

抛弃名利、扔掉杂念。艺术的极致、自身的追求，都是建立在坚持之上的。

坚持给艺术家带来的是情感的宣泄与艺术的滋养，带给我们的，则是找寻人生出口的启示。

就像莫奈所说：“我只能爱你一生一世，可这座我种下的花园，他们的生命足够穿越宇宙，伴你永生永世。”

莫奈照片

不管是对纯粹、细节、自我，还是对任何事物的坚持，坚持的意义就在于它的影响可以存在很久很久，不论影响力的大小。

坚持的背后，是“永远”的责任。

爱我所爱，尽我所能，愿我们每个人都能找到属于自己的那一份坚持。

来说说你们有没有什么想长期坚持的事情呢？